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Historia de la Música Electrónica

Desde que la música es música, desde que se escucho por primera vez un sonido musical, muchos son los estilos que han surgido a través del tiempo, o por fusiones con otros estilos musicales o por creación de algunos que supieron
mezclar sonidos sacando nuevos géneros y nuevas tendencias, la música en general hoy por hoy va por un camino incierto, ya que con tanta tecnología nos sabemos lo que nos deparará en el futuro, pero justamente para tratar de entender hacia
donde vamos trataremos de hacer una breve reseña de la evolución musical, en este caso de la música electrónica, desde el uso del primer sampleo hasta la incorporación de nuevas maquinas y robots, si bien la electrónica abarca un sin fin de subgéneros, trataremos brevemente de contar algo de su historia.

Compositores e inventores

El movimiento "The Art of Noise" de principios de siglo fue lo que de verdad dio a luz a lo que se llama hoy cultura rave, mediante composiciones inspiradas por el vaivén mecánico y eléctrico de la ciudad. Haciendo cajas caseras, a las cuales incorporaban los sonidos de sirenas, cornetas y pitos, estos futuristas ya estaban haciendo tecno pero sin la incorporación de beats. Al avanzar el siglo, compositores como Pierre Schaeffer y Pierre Henry comenzaron a cortar y pegar cintas magnéticas (un ejemplo antiguo del sampling) para crear piezas con pedazos de sonidos provenientes de distintas fuentes. Antes de que los djs de clubs usaran platos - bandejas (turntables) de velocidad variable, Luigi Russolo y el compositor americano John Cage incorporaban tanto como 42 platos en una
sola pieza. Estas han sido sampleadas o remezcladas por artistas contemporáneos, como Irresistible Force, Dj Spooky, Fatboy Slim y Coldcut, entre otros.

Minimalismo

A principios y mediados del siglo, los vanguardistas se convirtieron en precursores de la instrumentación de la música dance electrónica, y continuaron sus experimentos durante los 60 y 70. También debemos agregar a Brian Eno, el
productor y músico pop que "inventó" el término de música Ambient en 1978, sacando álbumes como Music For Films and Ambient I y Music for Airports. Eno compuso melodías complejas que podían ser usadas como música de fondo.

Kraut Rock

En los últimos años, casi todos los grupos alemanes de rock progresivo han sido influenciados por Kraftwerk: Can, Faust, Tangerine Dream y Cluster. A finales de los 60 y principios de los 70 estos rockeros comenzaron a experimentar con sintetizadores y osciladores, y crearon música psicodélica del espacio exterior -trips de drogas y tecnología-, de los cuales todos se mantienen como temas
principales de la música electrónica. Kraftwerk podría ser el único y más importante precursor de la música
electrónica. También podrían ser los originales artistas desconocidos, que siempre usaron robots como reemplazo en fotos y en tarima. Crearon música pop electrónica impecable que aún suena bien hoy en día. Fueron los discos de
Kraftwerk que utilizó y sampleó Afrika Bambataa, para crear uno de los primeros grandes hits del electro/rap, Planet Rock. Era Kraftwerk lo que estaba escuchando la gente de Detroit cuando se les ocurrió su propia variación de la
misma: el Tecno.

Dub

Usando el estudio de grabación como instrumento, los pioneros del dub jamaiquino(King Tubby, Lee "Scratch" Perry y Sly and Robbie) trabajaron al revés. Tomaron los éxitos del reggae y le quitaban básicamente todo menos la batería y los bajos. Luego tomaban los pedazos y agregaban ecos de guitarras, reverberaciones y cualquier sonido espacial. La cultura del dub y el reggae giraban alrededor de los Sound Systems, y viajaban de ciudad en ciudad mientras los presentadores cantaban sobre la música, cosa que tuvo mucha influencia en los principios del rap. En casi cualquier subgénero de la música electrónica, -ya sea drum and
bass, ambient, tecno- hay algo que remite a la música dub.

Disco

Antes de que Saturday Night Fever lograra que la música disco surgiera de los clubs de gays y negros, había mucha innovación. Entre las influencias más grandes está Giorgio Moroder, quien le agregó esas dulces tonalidades a los
himnos de Donna Summer. El instrumental de Hot Butter Popcorn sonaba como tecno antes de que el término tuviera significado alguno. Tan importante como la música fue la manera en que el disco music transformó la vida nocturna de los clubs.

Synth Pop

Evolucionando del punk a finales de los 70, surge el New Wave, el cual se transforma mucho antes de tener una influencia en la música electrónica. Bandas de la época son New Order, Depeche Mode y Yaz, en particular; aunque también hay que agregar a aquellas agrupaciones que heredaron la obsesión por la tecnología de Kraftwerk: Gary Numan, The Art of Noise, DAF, Yello y Yellow Magic Orchestra, sin olvidar los grupos industriales que le agregaron un lado más duro a la música electrónica: Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, Ministry y Front 242.

Electrofunk

Se podría decir que el Electrofunk tomó al disco y reemplazó a las divas con robots. Zapp, Parliament Funkadelic y Prince ayudaron a pavimentar el camino para grupos de principios de los 80, como Afrika Bambaataa, Uncle Jam´s Army, Mantronix, Newcleus, George Kranz y World Class Wreckin´ Kru, los cuales construían canciones con sintetizadores, drum machines, sampleos de James Brown
y vocales humanas sintetizadas a través de un "vocoder". Esta fue la respuesta de los negros ante Kraftwerk, demostrando que el funk podía ser tocado por máquinas al igual que el rock. En esta era también fueron importantes los primeros discos de Break Beat.

House

Chicago, 1984. The Warehouse es considerado normalmente como el lugar donde comenzó la movida de la música electrónica moderna. Ahí el disco nunca murió, simplemente se fue al underground. Marshall Jefferson, Steve "Silk" Hurley, Jamie Principle, Farley "Jackmaster" Funk y otros retiraron el pop y comenzaron a usar melodías de piano, ritmos latinos, baterías y bajos muy, muy profundos.
En The Warehouse, el dj Frankie Knuckles le agregaba sus efectos y baterías a los hits de música club. Al contrario de los estilos anteriores, la música House continúa creciendo.

Acid House

Acid Trax es el nombre de una disquera de house en Chicago. No se sabe si se refiere a los altos sonidos que creaban los 303 (sintetizadores de bajo) o si se refiere a la droga alucinógena. Cuando los djs ingleses regresaron de Chicago
con muchos de los discos de Acid Trax, a finales de los 80, empezaron a crear su propio acid house tomando esos ritmos importados y agregándole sampleos de televisión, efectos y sonidos, ayudados además por la droga traída de Norteamérica: el "écstasy". La juventud inglesa se congregó alrededor de la música sin importar la raza, edad o cultura y así celebraron su propio verano del amor en 1988. Aquí participaron djs como Danny Rampling y Paul Oakenfold, y
bandas como A Guy Calle Gerald, 808 State y T-Coy.

Tecno (Detroit)

Si en el House se trata del momento, el Tecno trata del futuro gracias (en gran parte) a Electryfyin' Mojo, un dj que dio a conocer a Kraftwerk, New Order y Devo a los jóvenes de Detroit. Comenzaron a hacer música mas rápida incorporando cada vez más funk y house y creando así el primer hit de tecno en 1989: Big Fun, de Inner City. Esos djs continúan sacando singles y álbumes al tiempo que se les
une una nueva generación de compositores de Detroit como: Carl Craig, Jeff Mills, Richie Hawtkin y Kenny Larkin, los cuales llevan la música a un nivel de abstracción cada vez mayor.

Techno (Inglaterra)

Grandes capos de la droga, artículos de prensa, redadas de policías y leyes prohibiendo reuniones sin permiso, obligan al movimiento a volver al underground, en donde se transformó en el tecno que conocemos y amamos hoy en día. Esta vez la inspiración no fue Chicago, sino Detroit. Ya que la era de raves gigantescos había terminado, las fiestas volvían a los pequeños clubs donde se podía dirigir a un público más específico: había sitios para house,
drum and bass, hardcore, etc. La música se regó por toda Europa, llegó a Asia y, finalmente, volvió a Estados Unidos en donde muchos músicos, anteriormente ignorados por la industria, consiguen contratos con las grandes disqueras (Josh Wink, Crystal Method entre otros).

Ambient

Como consumían drogas y bailaban durante toda la noche, los chicos necesitaban un lugar de descanso. Así nació el chill-out, donde los oídos y mentes eran estimulados mientras los pies descansaban. Alex Paterson, de The Orb, se imaginó
haber escuchado algo nuevo en una mezcla de Tony Humphries y comenzó a mezclar música dance con sonidos de trenes, animales y otros. Finalmente, la música dance se había librado de la tiranía de los beats con canciones como 3 AM
Eternal, de KLF. Otros artistas, como Irresistible Force, Future Sound of London y Aphex Twin ayudaron en el progreso de la movida.

Jungle

El choque entre jóvenes enamorados del hip hop y djs que tocaban acid house -como Fabio y Grooverider, que querían algo más rápido, duro y oscuro- produjo la respuesta inglesa del rap ante el dub: el Jungle. Este contenía vocales de MCs de reggae, líneas de bajo muy profundas y baterías que eran distorsionadas de cualquier modo posible. En 1994, el Jungle fue sacado de los barrios e introducido al mercado, donde artistas desde David Bowie hasta U2 y Everything But The Girl lo usaron en su música. Como el tecno, el Jungle (ahora conocido como Drum and Bass) se dividió en varios subgéneros: tech step, jump up, hard
step y jazz step, entre otros.

El Futuro

La electrónica es un género que como el Jazz, Blues o Rock'n'Roll, llegó para establecerse. Cada día observamos mas innovación, mas creatividad y nuevas maneras de componer, que a su vez crean nuevos sub-géneros y formas. Las bases están sentadas y ahora lo que hay es experimentación a todo nivel. Desde el House hasta el Drum'n'bass y Spiral-tekno han pasado muchas cosas y seguramente oiremos y bailaremos cada vez nuevos, mejores y mas interesantes temas.

Música con máquinas

Es música creada con medios electrónicos. Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se interpreta por medio de altavoces), la música electrónica en vivo (creada en
tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos), la música concreta(creada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en vivo y música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música se refieren en principio a la naturaleza de la tecnología
y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras. Hoy está en uso otra terminología como música por computadora, música electroacústica o música radiofónica, unas definiciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías utilizadas.

Antecedentes históricos

En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruido y cajas de música electrónica. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos
musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell habían soñado una música creada solamente por medios electrónicos, aunque este tipo de música electrónica
no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de la grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano. En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de grabación, asociados a los nombres de figuras
destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos
para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas
dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se sigue
utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de
música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.

A finales de la década de 1940 Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos
electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se
componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.
A finales de los años cincuenta ya se habían establecido gran parte de los estudios de música electrónica de Europa. Los más importantes eran el de la RAI en Milán, fundado por Luciano Berio y Maderna, el Instituto de Sonología de Utrecht y el estudio EMS de Estocolmo. La división entre la música concreta y la música electrónica pura fue un fenómeno básicamente europeo. Si bien en EEUU surgieron varios estudios en aquella época las distinciones estéticas eran allí menos importantes. En la década de 1950 en Nueva York los compositores Otto Luening y Vladimir Ussachevski crearon músicas para cinta magnetofónica con un equipo de estudio muy rudimentario. Su música transformaba los sonidos grabados de instrumentos y voces mediante técnicas de manipulación de cintas y simples unidades de reverberación. A finales de la década se asociaron con el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton, en el cual el compositor Milton Babbitt empleaba una enorme computadora RCA para crear una música compuesta con los mismos principios seriales que Eimert y Stockhausen en Colonia. Su obra Philomel (1964) fue una de las primeras
composiciones para soprano solista y cinta magnetofónica. El desarrollo de la tecnología informática en las décadas de 1950 y 1960 llevó al establecimiento de una serie de estudios dedicados en exclusiva a la música por ordenador en
universidades estadounidenses y, en menor medida, en Europa.
Durante los años sesenta y setenta los estadounidenses Lansky y Barry Vercoe, entre otros, desarrollaron paquetes de programas para música (programas informáticos diseñados para la manipulación y creación de sonido), que se entregaban gratuitamente a los compositores interesados. Esta tradición de software en las universidades de Estados Unidos ha contribuido en gran medida al crecimiento de la música por computadora en todo el mundo. Tanto el Centro para la Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, en el estado de California, como el Institute de Recherche et de Coordination Acustique/Musique (IRCAM) de París (fundado por Pierre Boulez en 1977), utilizaron los ordenadores de forma significativa y continúan siendo centros influyentes en la composición de música electrónica en la actualidad.
El rápido desarrollo de la tecnología informática durante los últimos 15 años ha conducido a una revolución en la música por computadora y en la música electrónica en general. Los ordenadores son ahora más asequibles, y los
programas informáticos, que antes eran muy lentos, funcionan ahora en cuestión de segundos o incluso de forma simultánea a los instrumentos. Son muchas las universidades actuales equipadas con un estudio de música por ordenador y varios países tienen estudios nacionales, dedicados a la composición de música electrónica. Además, los músicos trabajan cada vez más de forma independiente, en estudios particulares.


Los sintetizadores y los instrumentos de música electrónica

A principios del siglo XX se inventaron instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el Theremin, pero eran muy rudimentarios en su construcción y complicados en su funcionamiento. Los sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de ser utilizados en las actuaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960. La computadora central RCA fue en esencia
uno de los primeros sintetizadores electrónicos. El aparato contenía todos los recursos necesarios para generar y modificar los sonidos por medios electrónicos. En los sesenta, Robert Moog, Don Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a producir sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio electrónico para variar el tono o
el volumen, y se empleaba para crear, filtrar y modificar, sonidos electrónicos.

Pronto aparecieron sintetizadores que ofrecían una serie de sonidos y efectos pregrabados. Éstos serían utilizados cada vez más con propósitos comerciales, desde los anuncios de la televisión hasta la música para películas de ciencia-ficción. Hoy existe una amplia variedad de sintetizadores,
capaces de imitar casi cualquier sonido y de crear gamas tonales y timbres completamente nuevos.

Los nuevos instrumentos musicales electrónicos de la década de 1960 también contribuyeron al crecimiento de la música electrónica en vivo, en la cual la creación y la manipulación electrónica del sonido ocurren en tiempo real (es decir, que se tocan y se escuchan en el momento). Al mismo tiempo, ciertos compositores creaban música electrónica en vivo con equipos fabricados por ellos
mismos. La obra Solo de Stockhausen (1966), por ejemplo, utilizaba un complejo sistema de retardo de la grabación que requería cuatro ayudantes para su interpretación. Durante la década de 1960 surgieron numerosos grupos de música electrónica en vivo, muchos de los cuales interpretaban música improvisada de carácter teatral. En años recientes, la revolución tecnológica también se tradujo en la aparición de numerosos instrumentos electrónicos y programas de ordenador diseñados para las actuaciones en directo. Destacan, entre otros, el
músico y diseñador de instrumentos Michel Waisvisz, que trabaja en los estudios STEIM de Holanda, inventor de diversos instrumentos como el llamado The Hands (las manos), en el cual el movimiento de las manos del intérprete en el espacio activa sonidos complejos y permite manipulaciones sónicas. El compositor-intérprete estadounidense George Lewis combina la improvisación al trombón con programas personalizados de composición por
ordenador que trabajan de forma simultánea. La estación de trabajo de procesamiento de señales desarrollada en el IRCAM permite una manipulación muy compleja en tiempo real de los sonidos instrumentales y sintéticos. Además de estos interfaces (superficie de contacto) altamente especializados, muchos compositores e intérpretes utilizan algunas cajas de efectos disponibles en el mercado, diseñadas pensando en el mercado de la música popular.

La evolución del sintetizador y la guitarra eléctrica a partir de los años cincuenta también ha influido en gran medida en el mundo del pop y la música rock. Los avances tecnológicos fueron acogidos con entusiasmo por grupos como
The Grateful Dead, Pink Floyd y la Velvet Underground. En la década de 1980 se inventó una nueva forma de trabajar con instrumentos de música electrónica dirigida al mercado popular: el llamado MIDI (interface digital de instrumentos
musicales). El MIDI no es un instrumento musical, sino un medio que permite a los sintetizadores y otros equipos comunicarse unos con otros mediante el envío de instrucciones digitales. Por ejemplo, mediante el MIDI un intérprete puede hacer que varios sintetizadores respondan cuando se toque uno de ellos. El uso de la tecnología musical en la música pop y rock es tan importante que la
naturaleza de los instrumentos y las otras tecnologías musicales relacionadas con la música electrónica están dictadas, en gran medida, por las necesidades de la industria del rock.

La síntesis del sonido y las técnicas de procesamiento

Las diferentes técnicas utilizadas para crear música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para crear nuevos sonidos y las que se utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya registrados. En épocas pasadas se
usaban osciladores y filtros de control por voltaje, pero estas funciones las realiza hoy el ordenador. La creación de sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la mezcla de sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983). La síntesis por frecuencia modulada
(FM), documentada por vez primera por el compositor estadounidense John Chowning en la década de 1960, se emplea como vía para crears sonidos sintéticos complejos. Su pieza para cinta Stria (1976) está compuesta de varios timbres FM mezclados. Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o armonías específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o elevarse y bajarse de tono, gracias a técnicas como el vocoding de
fase o codificación predictiva lineal. Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de Paul Lansky (1979) son una obra pionera en este área. Además, se usan técnicas de reverberación para añadir ecos o un cierto retardo a los
sonidos grabados o sintetizados, mientras que se utilizan técnicas de simulación de espacios o salas para imitar el carácter acústico de las grandes salas de conciertos y otros espacios. Todas estas técnicas, aisladas o combinadas, son de uso frecuente entre los compositores de música electrónica.

Música por ordenador y música electroacústica

La música por ordenador se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música creada mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los ordenadores almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960 los términos música electroacústica y por ordenador se refieren, respectivamente aunque no de forma
constante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de forma equivalente, dado que casi toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.

Son hoy muchos los compositores que escriben música electrónica, en una gran variedad de estilos. En alguno de estos casos la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música para cinta magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor francés Luc Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando grabaciones directas de los sonidos del mar
o del campo. Otros compositores, como Denis Smalley en el Reino Unido o el argentino Horacio Vaggione, continúan la tradición de la música concreta en la que los sonidos grabados son sometidos a un procesamiento y una edición muy
intensas. Este tipo de música, en la que los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido como acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es importante cómo se presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen (1993) ha de interpretarse con varios altavoces.

Avances futuros

La música electrónica es, con relación a la música en general, un campo muy nuevo que ha sabido adaptarse a los rápidos avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la tecnología interactiva y multimedia,
de gran influencia en el carácter de la música electrónica y en su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor tecnología de comunicaciones como Internet y otras redes informáticas han permitido a los compositores intercambiar programas de música e incluso sonidos grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el punto de vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias tecnológicas y estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos los practicantes de este género que ven la música electrónica como una parte del todo que constituye la música. Muchas
obras combinan sonidos electrónicos y acústicos(instrumentales). Buen número de compositores de este género trabajan en colaboración con otros medios como el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el futuro el término
música electrónica desaparezca, una vez que tanto la tecnología electrónica como la informática estén plenamente integradas en el mundo del compositor.


Que es un sintetizador?

Un sintetizador es un aparato que genera y manipula sonidos por medios electrónicos. Con este artefacto se pueden crear nuevos sonidos así como reproducir los de los instrumentos musicales conocidos. La forma de la onda generada es alterada en su duración, altura y timbre mediante el uso de
dispositivos tales como amplificadores, mezcladores, filtros, reverberadores, secuenciadores y moduladores de frecuencia. El primer sintetizador apareció en 1955. Fue desarrollado por Olsen y Belar en la Radio Corporation of America (RCA) en Princeton. Estaba destinado a investigar las propiedades del sonido, no a ser un instrumento musical. Varios compositores se interesaron en ampliar las
posibilidades de producción de sonidos y en controlar todos los aspectos de la música gracias a esta herramienta. Entre ellos destacan Milton Babbitt, Marion Davido, Morton Subotnik y Charles Wuorinen. El sintetizador más conocido es el Moog, la primera máquina sencilla indicada hasta para el uso doméstico, que recibe su nombre del ingeniero estadounidense Robert Moog, quien desarrolló el primer prototipo en 1964. Apareció en la década de 1960. Se maneja
con uno o más teclados. Es posible crear un número casi infinito de sonidos y combinaciones y pueden imitarse muchos instrumentos. También pueden producirse sonidos que superan la capacidad de los instrumentos convencionales y que se combinan con los que captan los micrófonos. Además de su utilidad en la composición, los sintetizadores se utilizan para adaptar música instrumental, como en las conocidas grabaciones de Johann Sebastian Bach que Walter Carlos realizó en 1969. El sintetizador Moog fue seguido por otros de diseño similar de empresas como Buchla y Putney. Entre 1960 y 1980 se fabricaron aparatos más
reducidos que usaban microprocesadores, con lo que se hizo posible la grabación digital del sonido. Han utilizado estos instrumentos tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop.

Por Claudio desde Argentina.

Enviado por DJ Com, dj.com@musician.org

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